Artistes en colère

L'Humanité a publié le 5 mai dernier l'appel "L'art c'est la vie !", signé par de nombreux artistes français, dénonçant les dérives de l'action du ministère de la Culture.
À la différence des prises de position réactionnaires de M. Rémy Aron, prétendument au nom de la Maison des Artistes, voire de 99% des artistes… ici il s'agit d'artistes de grande qualité, déjà réputés, à qui l'on ne peut donc faire le reproche de frustration. Mais il est peut être un peu tard pour ce débat… à l'heure où nous ne savons même pas si le ministère de la Culture conservera son autonomie ou sera intégré à celui de l'Éducation nationale. Que deviendra la Culture dans les cinq prochaines années ?

La colère d'artistes contre le ministère de la culture
LE MONDE | 13.05.07

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L’art c’est la vie !
Appel (1)

De quoi a besoin la création pour exprimer sa vitalité, loin des carcans officiels et idéologiques ?

Nous sommes tous des engagés volontaires pleins d’énergie. L’art est notre vie. Mais, en France, l’action du ministère public qui cherchait à favoriser la vitalité créatrice des arts plastiques en désorganise désormais de plus en plus profondément le cadre naturel par ses excès :

- la normalisation et le monopole d’un certain art officiel,

- les manipulateurs masqués qui, au sein des institutions et notamment au Musée national d’art moderne, imposent une pensée unique, soumise au marché et à la mode, obsédée par l’art tendance, les accrochages big bang, et l’art spectacle,

- la centralisation abusive du pouvoir entre les mains d’un petit groupe de censeurs qui, au sein de la délégation aux Arts plastiques et du Musée national d’art moderne, dévoient l’action de ceux qui pensent et veulent agir autrement,

- la censure et le mépris que ces agents doubles du marché international imposent à la création en France au mépris de leur fonction, - le détournement des FRAC, victimes des mêmes influences,

- l’isolement et l’exclusion dont sont victimes des fonctionnaires indépendants d’esprit et non conformes aux diktats officiels. - les choix incohérents, inconstants, et mondains de Cultures France (ex-AFAA).

Pour exprimer sa réelle vitalité, la création en France a besoin d’être libérée de cet encadrement officiel. Sa diffusion par le ministère public doit découler naturellement de son histoire et témoigner de sa véritable diversité. Nous demandons :

- l’équité et le pluralisme des générations et des courants dans les présentations officielles de la création contemporaine en France.

- la répartition équitable des lieux d’exposition temporaires, galeries contemporaines du Centre Pompidou, galeries nationales du Grand Palais, espaces du Palais de Tokyo, et galerie du Jeu de Paume, entre les différentes générations et courants d’artistes vivant et travaillant en France.

- la création de conseils d’orientation pour garantir à la fois la pertinence, la transparence, le pluralisme et l’équité des orientations et des choix du Musée national d’Art moderne, de la délégation aux Arts plastiques, et de Cultures France.

- une participation significative des artistes à ces conseils. - le soutien des initiatives privées par des mesures d’encouragement efficaces.

- l’enseignement artistique à l’école enfin pris en compte dans les évaluations et doté des moyens nécessaires,

- un lieu vaste et ambitieux pour montrer en permanence et sans complexes, à Paris comme à Londres, à Madrid, et à New York, toute la vitalité, la diversité, et l’originalité de l’art en France.

(1) Premiers signataires : Pat Andréa, Dominique Angel, Anne Anthony, André-Pierre Arnal, Bruno Badoux, Marielle Baldelli, Vincent Barré, Claude-Henri Bartoli, Nancy Barwell, Louis Bec, Gonzalo Belmonte, Vincent Bioulés, Jean-Claude Bohin, Jacques Bosser, François Bouillon, Mark Brusse, Myriam Bucquoit, Pierre Buraglio, Alex Burke, Florence Callot, Christian de Cambiaire, Louis Cane, Béatrice Casadesus, Hervé Castanet, Frank Chalendard, Jean-Paul Chambas, Claude Chaussard, Miguel Chevalier, Alain Clément, Claire Colin-Collin, Gérard Collin-Thiebault, Bernard Crespin, Henri Cueco, Marinette Cueco, Caroline Culand, Antoine de Bary, Anne Deguelle, Joël Desbouiges, Patrick Des Gachons, Daniel Dezeuze, Hervé Di Rosa, Cécile Doubre, Joël Ducorroy, Erro, Marie-Héléne Fabra, Pascal Fancony, Serge Fauchier, Hervé Fischer, Fabienne Gaston-Dreyfus, Paul-Armand Gette, Danielle Gibrat, Anne Gorouben, Daniel Humair, Christian Jaccard, Robert Janitz, Jean-Luc Jehan, Jacqueline de Jong, Peter Klasen, Joël Kermarrec, Alain Lambilliote, Jean Le Gac, Nathalie Leroy-Fiévée, Elizabeth Mercier, Jean-Michel Meurice, Bertrand Meyer-Himhoff, Michel Mourlot, Bernard Pagès, Jean-Luc Parant, Anne-Marie Pêcheur, Ernest Pignon-Ernest, Augustin Pineau, Pierre Pinoncelli, Anne et Patrick Poirier, Edouard Prulhière, André Raffray, Bernard Rancillac, Yves Reynier, Marcel Robelin, Guy de Rougemont, Marie Sallantin, Michel Sicard, Pascal Simonet, Pierre Skira, Vladimir Skoda, Tony Soulié, Peter Stampfli, Soizic Stokvis, Klaus Stoeber, Julien Terdiman, Jean-Paul Thibeau, Thierry Thoubert, Pierre Tual, Gérard Titus-Carmel, Vladimir Velickovic, Claude Viallat, Vuk Vidor, Jean-Louis Vila, Jan Voss, Michèle Waquant, Pierre Marie Ziegler.

Comme un étranger…

"Penser l’art, c’est se trouver comme un étranger dans cette chose généralement connue sous le nom de réalité - être dérouté, en somme."
Antonia Birnbaum, "Espaces en folie", Multitudes 15, hiver 2004)

Trancher dans le réel… (Frédéric Lefeuvre)

L'odeur du granit

Territoires intimes d'Armorique

Le photographe tranche dans le réel, communément on dit qu'il écrit avec la lumière. Derrière la toile des apparences que capte la rétine, avant que les dés ne soient jetés, il a le pouvoir d'offrir une face visible au vécu intime des choses.

Je construis des images en passant, en passeur si possible, tout en laissant disponible ma pensée, et en pansant les plaies du temps à partir d'une géographie intérieure et muette. Aucune chapelle esthétique ne se cache derrière elles. Elles se veulent l'union d'une rencontre et d'une émotion. De celle qui est marquée par une quête de l'insaisissable.

Tout d'abord, au niveau de l'acte de prise de vue, mon cheminement se nourrit d'histoires anciennes et de la vibration des lieux ; c'est une forme de photographie contemplative à l'écoute des silences et des signes de ce qui « a été ». On fait toujours les mêmes photographies, on marche toujours vers le même horizon, on creuse toujours le même trou pour faire naître toujours plus d'apparitions. Il faut toujours chercher ce qui est derrière le cadre assassin du photographe.

Ce qui m'émeut, c'est le contact direct de la main avec les fibres du papier bromure qui révèle le négatif exposé par la chambre noire. Je procède avec des produits actifs par tamponnage, par caresses et par glissements successifs d'arabesques sur le support baryté. Les vapeurs murmurent avec le hasard. Parfois l'émulsion dégage des saveurs délétères, elle fume, elle brûle, elle irrupte des ombres sorties de mes mirages ; ce qui doit « être » depuis mes chaudrons infernaux, persistera et existera.

Dans mes paysages de Bretagne, j'espère renouer avec l'authenticité et la beauté d'un territoire qui souffre d'un déficit esthétique dans sa perception. Je recherche le lien, puis l'empreinte. La pensée ne se détruit pas, elle remonte toujours le puits du temps. C'est tout le contraire d'un système : le mode opératoire est aléatoire et détaché de la technique ; le but est de se perdre en chemin, de se mettre en danger parmi une mosaïque de paysages et de nouvelles frontières.

En fait, j'opère en utilisant une forme d'écriture automatique portée par une sensibilité en rupture. C'est une histoire de respiration et de fenêtres ouvertes sur une ballade poétique. Ma démarche est une œuvre de « déconstruction » des images telles que la société les conçoit. Notre regard est devenu économique et sous contrôle. Aussi, il m'importe plus que jamais de maintenir mes désirs photographiques dans la magie et le souffle si vulnérable de la vie.

Frédéric Lefeuvre
Février 2007

Le texte et la photo proviennent du dernier livre d'artiste de Frédéric Lefeuvre qui date de février 2007,
à travers sa collection : Les Editions du Chêne Rouge limitées à 12 Tomes de 12 exemplaires.
Le dernier livret paru à ce jour est le N°9 qui se nomme : L'odeur du granit en référence aux émotions
que l'on éprouve parmi les chemins creux de Bretagne,
la rencontre du minéral, de la nature et du vent.

François Cini et ses dessins habités

François Cini avait montré jusqu'à présent sa recherche sur l'espace public urbain, que ce soit dans le cadre du collectif lidiotduvillageglobal, ou en solo : l'exposition "L'éloge de la pfuitt" (une exposition "mit pfiff" pourrait-on dire en utilisant cette belle expression allemande) à l'Ideth de Lyon, en avril-mai 2006.

Dans sa nouvelle exposition "EMPRUNT(E)S : quelques changements de classe. Dessins habités" (à la bibliothèque du 1er arrondissement lyonnais, du 21/11 au 8/12/2006), il explore la relation aux livres.
Il met en tension son vécu personnel avec la rencontre de l'autre, par le hasard des traces laissées dans les livres des bibliothèques (les marque-pages), les rendez-vous dans les agendas (clin d'œil aux journaux intimes ?), les surprises de l'ego-googling (le serin "cini" !)...
L'accrochage est sautillant, les moyens techniques utilisés sont modestes (crayons) mais mis en œuvre avec un évident plaisir. La main s'approprie patiemment, soigneusement, le bonheur des trouvailles.
Loin des énormes et coûteuses installations des biennales d'art contemporain, destinées à ébaubir un public espéré massif (c'est une question de survie, hélas) et qui laissent un sentiment d'impuissance et d'écrasement, les œuvres stimulantes de François Cini réussissent à ouvrir une brèche dans l'aliénation.

À lire aussi : "Marque-page/François Cini", de Fabienne Swiatly, sur remue.net

L'art comme pensée

Envoyée par Line Clément, cette citation de Dan Flavin : J'aime mieux l'art comme pensée que comme travail. Je l'ai toujours affirmé […] C'est une proclamation : l'art, c'est penser.